La joyería de "Maestra de Arte" está de moda—Estas son las piezas que una diseñadora de NYC jura por ellas

      Conocí a Ashley Moubayed por primera vez en una cena de Misha & Puff en Tascha en Nolita. Mientras comenzábamos una conversación, pude darme cuenta de inmediato de que era el tipo de persona cuyo gusto impecable se siente completamente intuitivo. Llevaba las joyas más increíbles, que ella misma había hecho. Moubayed es la fundadora de la línea de joyería de cuentas hecha a mano Don't Let Disco—un juego de palabras con la frase "no dejes que esto se pierda". Y mientras charlábamos, me invitó a una suite de regalos de verano en su estudio de Brooklyn para ver su última colección en persona. Al mirar los diseños, cada pieza se sentía reflexiva e intencionada. Por ejemplo, el collar que terminé llevando a casa estaba hecho con cristales de roca completamente cargados, inspirados en las “piscinas de luz” victorianas. Es joyería de declaración, pero nunca se siente de moda. Lo que más me gusta es que cada pieza se siente más como una obra de arte que como un accesorio—especial, única y del tipo de cosa que instantáneamente se convierte en una posesión preciada. Mientras probaba diferentes collares, Moubayed se refirió a uno como "joyería de profesora de arte"—un término que me dice fue acuñado por Veronica Szalas Valentine. La descripción hizo clic de inmediato, capturando perfectamente la estética.

      Antes de lanzar su propia empresa, la Finalista del CFDA/Vogue Fashion Fund 2025 pasó años trabajando en el mundo del arte, más recientemente como directora en Sotheby’s. Con una biografía de Instagram que dice “Coleccionista y Curadora de Cuentas”, Don't Let Disco se siente como una extensión natural de ese trasfondo. Al conocerla, queda claro que es más una práctica artística que solo una marca. A continuación, hablé con la diseñadora sobre su etiqueta, proceso de diseño, estilo personal, tendencias de joyería y las piezas que actualmente más ama.

      (Vía de imagen: Don't Let Disco)

      Vi que trabajaste como directora en Sotheby’s antes de lanzar Don't Let Disco. Me encantaría saber más sobre tu trayectoria y camino profesional antes de la marca.

      Antes de lanzar Don’t Let Disco, pasé varios años en Sotheby’s, donde trabajé de cerca con coleccionistas, artistas y objetos que llevaban historias increíbles. Me enseñó mucho sobre la procedencia, la artesanía y las razones emocionales por las que las personas se aferran a las cosas. Siempre había estado haciendo joyería junto a mi carrera, y con el tiempo me di cuenta de que quería construir algo propio. Don’t Let Disco creció de ese deseo y de una fascinación por los objetos que llevan memoria, historia y significado personal.

      Fundaste Don't Let Disco en 2021. ¿Qué te llevó a eso—qué te atrajo a perseguir la joyería y las cuentas?

      Don’t Let Disco comenzó de manera muy intuitiva en 2021. Siempre me han atraído los objetos que llevan historia, y las cuentas en particular se sentían como estas pequeñas unidades de memoria. Puedes construir con ellas, pero cada una también tiene su propia identidad. Comencé a trabajar con materiales vintage y encontrados de manera bastante orgánica, y se volvió menos sobre hacer “joyería” en un sentido tradicional y más sobre construir pequeñas composiciones que se sentían personales y coleccionables. Con el tiempo, esa práctica se convirtió en la base de la marca.

      ¿Cómo influye tu perspectiva histórica del arte y tu formación en bellas artes en la marca? ¿Hay artistas, movimientos o referencias particulares que te inspiren y a las que siempre regresas?

      Mi formación en el mundo del arte realmente moldeó cómo pienso sobre los objetos y su significado. Trabajar alrededor del arte y los coleccionables me enseñó a prestar atención a la procedencia, el contexto y el peso emocional que las cosas pueden llevar con el tiempo. Me atraen especialmente los objetos y movimientos donde el material y la memoria se sienten entrelazados. Estoy menos interesada en referencias fijas y más en esa idea de un objeto que sostiene el tiempo, ya sea un material encontrado, una cuenta vintage o algo que ha sido reutilizado en un nuevo contexto dentro del trabajo.

      ¿Cómo describirías tu estilo personal, y encuentras que eso informa tu etiqueta?

      Mi estilo personal es bastante instintivo y se basa en el contraste. Generalmente me atraen las bases clásicas, pero me gusta interrumpir eso con algo más inesperado—textura, proporción o una pieza de joyería que cambia el tono de todo el look. Si tuviera que describirlo en tres palabras, diría considerado, textural e instintivo. Esa misma tensión se muestra en Don’t Let Disco, donde las piezas se sienten refinadas pero aún un poco deshechas, con los materiales y la composición haciendo la mayor parte de la narración.

      ¿Puedes guiarme a través de tu proceso de diseño al crear una nueva pieza? ¿Cambia cada vez, o hay puntos de partida recurrentes?

      Mi proceso está muy guiado por el material y rara vez comienza de la misma manera dos veces. Generalmente empiezo con un grupo de cuentas vintage, objetos encontrados o piedras y paso tiempo solo mirando cómo se relacionan entre sí, qué se siente equilibrado, qué crea tensión, qué quiere sentarse junto a lo natural. A partir de ahí, empiezo a construir de manera intuitiva en lugar de esbozar algo fijo, ajustando a medida que avanzo según la proporción, el color y la sensación. Siempre hay un diálogo con los materiales; trato de no forzarlos en una idea predeterminada, sino responder a lo que ya están sugiriendo.

      Usas cuentas elaboradas globalmente, materiales reciclados y objetos encontrados. ¿Puedes contarme sobre tu proceso de abastecimiento?

      Mi proceso de abastecimiento es bastante instintivo y continuo. Estoy constantemente mirando cuentas vintage, joyería antigua y materiales encontrados—frecuentemente a través de comerciantes, pequeños archivos o fuentes independientes con las que he construido relaciones a lo largo del tiempo. Me atraen las cosas que ya parecen haber vivido una vida, ya sea una ligera irregularidad en una cuenta, la pátina en una superficie o algo que se siente singular en lugar de sobreproducido. A partir de ahí, se trata de elegir materiales que sientan que pertenecen a la misma conversación, incluso si provienen de lugares o períodos de tiempo muy diferentes.

      Si pudieras retirar una tendencia de joyería para siempre, ¿cuál sería?

      No soy una gran seguidora de tendencias en general, pero sí lucho con lo normalizado que se ha vuelto la joyería chapada con márgenes de ganancia muy altos. No hay nada de malo en el chapado, pero creo que debería haber más transparencia sobre los materiales y la longevidad. Siempre estoy más interesada en piezas que están honestamente hechas, con materiales que están destinados a durar y envejecer bien.

      También organizas bares de cuentas. ¿Qué son, y cómo surgió esa idea?

      Los bares de cuentas comenzaron de manera bastante orgánica a partir de cómo las personas ya estaban interactuando con la marca. Quería crear un espacio donde las personas pudieran sentarse realmente con los materiales y hacer algo ellas mismas, incluso de una manera simple, en lugar de solo ver el objeto terminado. Se trata realmente de dar a las personas una razón para desacelerar y trabajar con sus manos nuevamente—especialmente en un momento donde gran parte de la vida es digital y basada en pantallas—y permitirles entender el proceso a través de la acción.

      ¿Qué sigue para Don't Let Disco? ¿Hay algo en lo que estés trabajando o esperando que puedas compartir?

      Lanzamos nuestra primera colección de joyería fina durante la Semana de la Moda de Nueva York en febrero, lo que ha sido un gran paso para nosotros y realmente se siente como una expansión del lenguaje que hemos estado construyendo con cuentas y materiales encontrados. En este momento, nos estamos enfocando en hacer crecer esa categoría de una manera realmente considerada. También estamos expandiendo el estudio de Dumbo en más de un espacio de vida para la marca, donde podemos organizar eventos, bares de cuentas y más momentos de comunidad directa junto al trabajo en sí.

      ¿Tienes algún recuerdo temprano y formativo de joyería? Vi que mencionaste los brazaletes de oro de 22 quilates de tu madre en una entrevista.

      Sí. Los brazaletes de 22 quilates de mi madre son los primeros. El sonido de ellos chocando juntos era una especie de dispositivo de localización para mí, reconfortante y familiar y una forma de localizarla en una habitación. Mi abuela fue la otra gran influencia. Tenía una amiga que era diseñadora de joyas en los años 70, y ella encargaba estos anillos geniales, a veces vanguardistas, hechos de chatarra de oro amarillo y blanco. Ella los llevaba a todas partes, incluso solo al supermercado; eran parte de su ritual de belleza y su identidad. Incluso cuando se enfermó, justo antes de fallecer, todavía se los ponía para una foto. La hacían sentir como ella misma, y eso, para mí, es el poder de los objetos: joyería con verdadero alma.

      ¿Cuál es la pieza más elogiada que posees?

      En este momento, es nuestro Anillo Deco. A personas de todos los géneros les vuelve locos. Camina esta línea entre el antiguo