Louisa Jacobson war für diesen Moment bestimmt

      Louisa Jacobson ist hier, dort, überall—im Kino im angesagten neuen Rom-Com Materialists von Celine Song, auf Ihren TV-Bildschirmen in der dritten Staffel der Emmy-nominierten Historienserie The Gilded Age von HBO und nun auf der Bühne in der Off-Broadway-Produktion von Emmanuelle Mattanas Trophy Boys. Vielseitigkeit? Ja, Jacobson hat sie, was sie zu einem der spannendsten Talente der nächsten Generation macht, die heute aufstrebend sind. Für Jacobson fühlt es sich wie ein Geschenk an, in drei unterschiedlichsten Projekten, die alle innerhalb weniger Tage erscheinen, völlig verschiedene Charaktere spielen zu dürfen. Es ist nicht oft, dass aufstrebende Schauspieler so expansive schauspielerische Möglichkeiten früh in ihrer Karriere haben. Obwohl sie kaum Zeit hatte, alles aufzusaugen, zwischen den aufeinanderfolgenden Presseauftritten für Materialists und The Gilded Age sowie den Preview-Terminen für Trophy Boys, ist ihr die Seltenheit dieses Moments durchaus bewusst. Die Tochter von Meryl Streep und Bildhauer Don Gummer sowie die jüngste von vier Geschwistern mit künstlerischer Laufbahn wurde buchstäblich dazu geboren, das zu tun, was sie tut, und das zeigt sich in ihren elektrisierenden Auftritten – sei es eine junge Frau, die die gesellschaftlichen Normen des 19. Jahrhunderts unterwandert, eine Braut in Spe, die zweifelt, ob die Ehe wirklich das Richtige für sie ist, oder ein selbstbewusster Jugendlicher, der den Druck der Männlichkeit und Geschlechternormen navigiert. Eines Morgens im späten Juni trafen wir uns mit Jacobson, um über ihren bedeutenden Sommer zu sprechen. (Bildcredit: Hedi Stanton; Styling: Kleid von Dries Van Noten; Sauer Schmuck)Allein im Juni haben Sie in drei in Ton und Medium deutlich unterschiedlichen Projekten mitgewirkt (Film, Fernsehen und Theater). Können Sie mir etwas über Ihren Ansatz beim Annehmen neuer Projekte erzählen? Was ist Ihnen in dieser Phase Ihrer Karriere wirklich wichtig bzw. was spricht Sie an?Ich stehe noch am Anfang meiner Karriere, in der ich für jede einzelne Rolle vorsprechen muss, und als Schauspielerin hat man nicht so viel Kontrolle darüber, was als Nächstes kommt. Man fragt sich ständig: "Wann ist mein nächster Job?" Es ist manchmal seltsam, wählerisch zu sein, wenn man denkt, "Ich nehme jede Gelegenheit, die sich bietet." Aber grundsätzlich weiß ich, dass es sich lohnt, für eine Rolle zu vorsprechen, wenn das Material mich sofort anspricht und bei mir kreative Funken sprühen, während ich es lese. Solche Geschichten sind meist ehrlich und durchbrechen Grenzen – sie zeigen das Leben und die Dinge, die wir entweder nicht anschauen wollen oder nicht sehen können. Das hat mir an Celine Songs Film [Materialists] besonders gefallen. Sie ist eine sehr ehrliche Filmemacherin, und ihr Humor ist tief verwurzelt in der Tragik des Menschseins. Außerdem achte ich sehr auf queere Geschichten, besonders von queeren Frauen. Ich möchte mehr darüber erzählen und diese Geschichten verbreiten, weil ich denke, dass sie erzählt werden müssen. Sie sind so wichtig. Ich wuchs in einem Haushalt auf, der von bildender Kunst geprägt war. Wie hat es Ihre Entscheidung, Schauspielerin zu werden, beeinflusst, jüngstes Geschwister zu sein? Es war ein großes Geschenk, schon früh im Haushalt von Künstlern umgeben zu sein. Selbst mein Bruder, der sich zwischenzeitlich für Schauspiel interessierte, wählte stattdessen die Musik, und mein Vater ist Bildhauer. Beide Elternteile waren sehr talentiert, zielstrebig und ihrem Handwerk verpflichtet, was mich inspiriert hat. Es war eine Umgebung, in der die Kunst immer im Vordergrund stand, was wirklich ernst genommen wurde. Unsere Fantasie war ständig auf Hochtouren. Spielen ist essenziell, der Kern des Theaters. Wir haben ständig im fantasievollen Spiel verweilt, etwa beim Verkleiden und dann beim Aufführen eines Schauspiels – wir hatten sogar ein Ticketsystem und eine Kasse. Das war großartig. Ich bin fünf Jahre jünger als meine Schwester, die mir am nächsten ist. Sie waren immer die Chefs, aber ich liebte es. Es war eine brillante, inspirierende Art aufzuwachsen, die mich tief geprägt hat. Tief im Inneren hat das nie aufgehört, und die Wertschätzung dafür bleibt bestehen. Genau so früh ist das nicht einfach wegzudenken. Als Sie noch jung waren und so früh angefangen haben, ist das etwas, das immer bei einem bleibt. Während Ihrer Theaterlaufbahn vor dem Wechsel zum Film bei The Gilded Age: Warum empfanden Sie gerade dieses Projekt als den richtigen Moment für den Wechsel? Wie war das für Sie persönlich?Ich schloss 2019 die Schauspielschule ab und spielte direkt danach am Old Globe Theater Romeo und Julia, eine wunderbare Produktion, eine Art Traumrolle. Für Juliet zu spielen, ist sozusagen ein Traum. Kurz darauf hatte ich eine Chance bei The Gilded Age zu vorsprechen. Es ist üblich, nach dem Abschluss überall nach Rollen zu suchen. Es spielt keine Rolle, ob auf der Bühne oder vor der Kamera. Der Entschluss, für The Gilded Age zu vorsprechen, war daher fast offensichtlich. Besonders weil Julian Fellowes dahintersteckte – ich war damals riesiger Fan von Downton Abbey, das ich ehrlich verfolgt habe. Ich wusste kaum etwas über die Zeit in New York, was verrückt ist, weil es genau die Zeit war, in der die Stadt, wie wir sie kennen, geformt wurde. Die Entscheidung, sich dafür zu bewerben, lag also nahe. Im September 2019 bekam ich die Rolle, die Dreharbeiten sollten im März 2020 beginnen. Durch die COVID-19-Pandemie verzögerte sich alles fast ein Jahr. Diese Erfahrung mit der ersten TV-Serie war herausfordernd, aber auch sehr lehrreich. Jonathan Bailey meinte einmal, die Rückkehr auf die Bühne sei für ihn immer wie ein kreatives Reset. Empfinden Sie das ähnlich? Absolut. Es ist total erdend. Bei The Gilded Age sind die meisten Schauspieler aus dem Theater. Selbst jene, die es nicht sind, besitzen fast den Geist eines Theaterdarstellers. Es ist eine lebendige, unterstützende Gemeinschaft, die mich immer daran erinnert, warum ich mache, was ich mache, und das Gemeinschaftsgefühl. Die Disziplin, den Körper dort einzusetzen, ist sehr erfüllend. In der TV-Arbeit gibt es eine gewisse Kontrolle, die manchmal einschränkt, vor allem bei historischen Regeln und Etikette, an die man sich halten muss. In diesem engen Rahmen frei sein zu können, ist eine Herausforderung, die auch sehr reizvoll ist. Das hat mich gut vorbereitet, um weiterhin Theater zu spielen und in den Film zu wechseln. Es fordert technisches Können, das hilfreich ist. Aber das Theater bleibt ein sehr erdender Ort. Ich liebe es, dorthin zurückzukehren. Letztes Jahr habe ich eine Regieassistenz bei einem Stück meines Freundes im Vineyard übernommen, „Invasive Species“, und allein auf der anderen Seite zu sein, war eine tolle Erfahrung, um wieder Teil dieses Gemeinschaftsgefühls zu werden. Nach drei Staffeln The Gilded Age: Was hat Ihnen das Spielen von Marian über sich selbst gelehrt? Ich sehe Parallelen zwischen Marian und mir. Sie hat sich stark entwickelt, und ich ebenso. Es ist irgendwie perfekt, dass ich so unerfahren da reingegangen bin, weil sie auch in eine völlig neue Welt kam – in New York, mit offenen Augen, alles neu. In Staffel 1 war sie naiv und unsicher, suchend nach ihrer Position in der modernen Welt. Jetzt, in Staffel 3, wirkt sie geerdeter und selbstbewusster. Das liegt auch daran, dass sie emotional und sozial geprüft wurde. Durch diese Erfahrungen hat sie ein stärkeres Selbstvertrauen entwickelt, verlässt sich mehr auf ihre eigenen Instinkte. Das kann ich in meiner eigenen Reise vom Abschluss der Schauspielschule bis heute gut nachvollziehen. Mit wem bist du auf der Serie am engsten geworden? Oh, Gott. Ich liebe Denée wirklich. Sie ist eine sehr wichtige Person in meinem Leben, weil wir die Serie zusammen durch diese verrückte Zeit gemacht haben – mit Pandemie und Streik. Mit Ben Ahlers, der Jack spielt, kenne ich mich seit etwa 2017 oder 2018 vom Williamstown Theatre Festival. Wir haben zusammen eine Produktion gemacht, und im Sommer 2019 schrieb er mir, dass er bei einem HBO-Projekt namens The Gilded Age vorspricht und Marian noch gesucht wird. Ich sagte: „Interessant, ich bin gerade bei meinem zweiten Vorsprechen. Halt die Daumen.“ Und beide wurden genommen, was ein wunderbarer Moment war. Unsere Freundschaft wurde dadurch enger, und ich schätze ihn sehr. (Bildcredit: Hedi Stanton; Styling: Kleid von Dries Van Noten; Sauer Schmuck)Über Materialists sprechen wir noch: Das Ende hat viele Zuschauer verärgert. Was ist Ihre Meinung dazu? Was sagen Sie dazu? Sie sind ziemlich aufgebracht. Oh Gott, das ist so lustig. Ich verstehe das. Ich denke, wir wollen bei einem Film oder einer Geschichte das Gefühl haben: „Das ergibt für mich Sinn. Das ist klar. Das ist die moralisch richtige Entscheidung oder die logischste.“ Aber es ist oft spannender, einen Film so zu hinterfragen: „Das ist vielleicht nicht ganz sauber aufgelöst, und es regt mich zum Nachdenken an.“ Über die eigenen Entscheidungen im Bezug auf Beziehungen nachzudenken, ist wichtig. Man möchte nicht immer alles im Blick haben, aber man muss es. Vielleicht ist das, was die Leute ärgert, genau das. Sie setzen sich nicht mit ihren eigenen Gefühlen auseinander. Genau. Es ist manchmal gut, herausgefordert zu werden. So wie bei Trophy Boys. Es endet nicht mit einem perfekt gebundenen Abschluss, sondern lässt den Zuschauer unsicher zurück, weil man nicht weiß, wie man fühlen soll. Man möchte gerne Anweisungen, wie man reagieren soll, aber eine starke Erzählung ist es, wenn man es selbst herausfinden muss. Das Lustige an Materialists ist, dass Charlotte, meine Figur, so ist, als wäre Marian aus 1883 in das Jahr 2025 transportiert worden. Als ich die Rolle bekam, fragte ich mich, ob ichtypischerweise auf eine bestimmte Art gespielt werde. Es sind Frauen, die nicht wissen, ob sie heiraten wollen, oder Zweifel an der Ehe haben – also echte kalte Füße. Es ist spannend zu sehen, dass auch im Jahr 2025 eine Frau denkt: „Warum heirate ich einen Mann? Ich kann alles andere im Leben machen. Warum mache ich das noch? Warum folge ich immer noch diesem traditionellen Weg? Mach ich das, weil es alle tun?“ Das ist wirklich faszinierend, wenn man über Ehe und Heiratsvereinbarungen im Gilded Age nachdenkt. Es war strategisch, mehr Business als Liebe. Liebe war nur ein Bonus. Es gab viele unausgesprochene Erwartungen und soziale Rollen, die bestimmten, wen man heiraten oder mit wem man zusammen sein konnte, und Frauen hatten kaum Einfluss. Marian kämpft sehr gegen das System. Sie will Liebe wählen, nicht Bequemlichkeit oder Status – eine mutige Haltung in dieser Zeit, und Charlotte ist da nicht viel anders. (Bildcredit: Hedi Stanton; Styling: Kleid von Dries Van Noten; Sauer Schmuck)Was hat Sie an Celine Song’s Ansatz am meisten angesprochen? Ich fand, er unterlief die Erwartungen an eine Rom-Com, was sehr interessant ist. Ich mag Celine Song sehr. „Past Lives“ habe ich viermal gesehen, als es rauskam, und ich war happy, dass es auch für den Preiszirkus relevant wurde, weil es komplex, aber auch eine sehr zugängliche Geschichte über Liebe, verlorene Liebe, vergangene Liebe und den Sinn des Einwanderungsprozesses ist. Es greift viele große Themen auf, durch eine so präzise erzählte Geschichte. Filme, die für Auszeichnungen in Betracht gezogen werden, wirken oft groß inszeniert, aber ihre Fähigkeit, menschliche Geschichten, emotionale Komplexität und die Schönheit einfacher Bilder zu vereinen, ist erstaunlich. Der Kameramann ist genial. Es war toll, mit ihm zusammenzuarbeiten. (Bildcredit: Hedi Stanton; Styling: Kleid von Dries Van Noten; Sauer Schmuck)Zum Schluss noch zu Ihrem dritten Projekt, Trophy Boys: Diese Show ist so interessant, weil sie vier junge Jungen zeigt, die sich auf eine Debatte vorbereiten mit dem Thema „Feminismus hat Frauen versagt“ und dabei Themen wie Anspruch, Missbrauch und die Herausforderungen der männlichen Jugend thematisiert. Als queere Frau: Was schätzen Sie an der Besetzung queerer und nonbinärer Schauspieler?Ich finde es großartig, weil wir es gewohnt sind, Drag mit männlich-zu-weiblich oder zugeordnet-männlich-zu-weiblich-Darstellungen zu sehen, besonders in New York. Das ist ein sehr vertrauter Bereich. Es ist spannend, weil wir das Drag-Konzept so nicht kennen: Es ist eine spielerische Erforschung von Gender als Performance, durch wiederholte Akte. Dabei wiederholen wir tatsächlich die gleichen Aktionen jeden Abend, was auch eine scharfe Kritik an Geschlechterkonstrukten ist. Durch den „Drag“ in diesem Stück verstehen wir die realen, manchmal beängstigenden Folgen von Männlichkeit und Weiblichkeit und den Erhalt schädlicher patriarchaler Systeme. Die Subversion liegt nicht nur in der Casting-Wahl, sondern auch im Mischungsverhältnis und in der Struktur des Stücks – besonders die Mischung aus stilisierter Komödie und strenger Realitätsnähe. Es sprengt Grenzen und verändert Erwartungen des Publikums: Sie denken, sie sehen eine Sache, und auf einmal denken sie: „Oh mein Gott, das hätte ich nicht erwartet.“ Das wirkt sehr eindringlich, und viele sagen nach der Vorstellung: „Wir haben vergessen, dass die Jungs eigentlich keine Jungs sind.“ Das ist eine faszinierende Erkenntnis und bestärkt die Theorie, dass Gender eine Performance ist. Es ist eine tolle Gelegenheit, Männlichkeit zu erforschen und mit Gesten zu spielen, die Jungen machen. Es ist sehr befriedigend, das auf Kostüm und Rollen zu übertragen. Außerdem: Der Charakter, der durch die Welt läuft und keine Zweifel hat—er tritt selbstbewusst auf, denkt nicht einmal darüber nach, wie viel Platz er einnimmt, und hat kein Selbstzweifel an seinem Talent oder seiner Fähigkeit, die Welt zu bereichern. Ich liebe es, eine solche Figur zu spielen, weil es mich dazu bringt, selbstsicher Platz einzunehmen. Das Ergebnis ist spannend. Der Umgang mit diesem Stück lehrt mich immer wieder, dass es keine festen, inhärenten Geschlechter gibt, sondern alles dazwischen. Aktuell sehen Sie Jacobson auf der Bühne in Trophy Boys, streamen auf HBO bei The Gilded Age und im Kino in Materialists. Fotograf: Hedi Stanton Stylist: Edward Bowleg III Hairstylist: Clara Leonard Make-up Artist: Alex Levy