Alla Met Gala del 2026, la moda non ha solo fatto riferimento all'arte—è diventata essa stessa arte.

      Jalil Johnson è un editor in residence di Who What Wear e scrittore con sede a New York, autorità della moda e personalità dei media che ha iniziato la sua carriera come stylist e successivamente ha trascorso tre anni da Saks Fifth Avenue affinando il suo occhio per il reporting sulle tendenze, i talenti emergenti e la narrazione dei brand. Ora porta la sua esperienza nella sua newsletter, Consider Yourself Cultured, ed è stato anche presentato nel The New York Times, Harper's Bazaar, The Wall Street Journal e The Financial Times, e Vogue lo ha nominato uno dei "Nuovi Volti dello Stile di Strada". C'è da tempo un dibattito su se la moda possa essere considerata arte. Infatti, mentre giocavo a un entusiasmante gioco di trivia alla festa di visione del Met Gala di Instagram ospitata al Mark Hotel, mi è venuto in mente qualcosa che Karl Lagerfeld ha detto nel documentario The First Monday in May: "Quello che facciamo è arte applicata. Chanel non ha mai detto di essere un'artista. Era una sarta. Madam Vionnet era una sarta. Madam Lanvin era una sarta. Volevano vestire un certo tipo di società, e erano felici e lusingate quando quelle donne compravano quei vestiti."

      Dentro l'Esposizione

      Quest'anno, tuttavia, l'esposizione primaverile dell'Istituto del Costume del Met, Costume Art, cerca di portare avanti quella conversazione, riformulando la questione se la moda possa essere considerata una forma d'arte o, nelle parole di Lagerfeld, un "arte applicata".

      Alla presentazione per la stampa, Andrew Bolton, il curatore Wendy Yu responsabile dell'Istituto del Costume, ha dichiarato: "Ci implora di vedere il corpo vestito non solo come un oggetto di rappresentazione ma come un soggetto di esperienza, un medium in cui il medium dell'arte può essere reimmaginato." Costume Art, la mostra inaugurale nelle Condé M. Nast Galleries, incoraggia i visitatori a superare la visione della moda come veicolo per l'arte e invece a comprendere la moda e l'arte come lavoranti in tandem.

      (Immagine credit: Getty Images) Rafforza non solo ciò che la presidente onoraria del Met Gala Lauren Sánchez Bezos ha dichiarato alla presentazione ("Il Met ha sempre compreso qualcosa che il mondo sta finalmente raggiungendo—la moda è arte") ma chiede anche agli spettatori di considerare la moda come il medium con cui interagiamo quotidianamente per compiere l'atto supremo dell'arte, sia essa applicata o performativa: vivere. Come ha continuato a dire Bolton, "La moda non è solo qualcosa che vediamo. È qualcosa che indossiamo. Modella postura, gesto, presenza e percezione. Indossando vestiti, non esprimiamo semplicemente chi siamo. Diventiamo chi siamo, il che rende la moda diversa da qualsiasi altra forma d'arte. Collassa il confine tra soggetto e oggetto."

      (Immagine credit: Getty Images) L'esposizione stessa comprende quasi 400 oggetti dalla collezione del Met, e la moda è posta in dialogo con opere d'arte che spaziano secoli, creando connessioni che vanno dal letterale al concettuale. Queste opere sono organizzate in una serie di categorie tematiche, tutte legate al corpo. Tra queste c'è il Corpo Classico, che è radicato negli studi ellenici e romani della forma, presentando un minidress d'oro modellato, simile a un'armatura, di Givenchy progettato da Alexander McQueen insieme a pezzi più fluidi e drappeggiati che richiamano la morbidezza della scultura classica, come un vestito di Di Petsa che appare come se chi lo indossasse fosse arrivato direttamente da un concorso di t-shirt bagnate.

      Il Corpo Incinto esamina l'abbigliamento materno attraverso i secoli, incluso un abito da cena in taffetà di Charles James progettato come parte di una linea di maternità per Lane Bryant Inc. nel 1954, fungendo sia da controparte all'ideale classico che da riappropriazione di esso. Il Corpo Epidermico e il Corpo Inscritto esplorano la moda che imita o evoca la pelle, rafforzando l'idea dell'abbigliamento come una seconda pelle, da un vestito di Schiaparelli di Daniel Roseberry con l'aspetto di carne che si sfalda a "Parede com Incisões à la Fontana—Horizontal" di Adriana Varejão e ai pezzi in rete tatuati di Jean Paul Gaultier, due dei quali sono inclusi nell'esposizione.

      Ashley Graham indossando Di Petsa al Met Gala 2026 (Immagine credit: Getty Images) Sebbene l'esposizione stabilisca indubbiamente il tono per ciò che appare sul tappeto, il codice di abbigliamento ufficiale del gala, Fashion Is Art, ha dato ai partecipanti il permesso di interpretare l'idea a modo loro. Alcuni si sono orientati verso un'interpretazione piuttosto letterale. Hunter Schafer è arrivata in Prada ispirata a "Mäda Primavesi" di Gustav Klimt, e Colman Domingo, in Valentino di Alessandro Michele, ha richiamato alla mente "Acrobata e Giovane Arlecchino" di Pablo Picasso. Amy Sherald, in Thom Browne, sembrava come se fosse uscita direttamente da uno dei suoi dipinti, "Miss Everything (Unsuppressed Deliverance)."

      Il Tappeto Rosso come Interpretazione

      Hunter Schafer al Met Gala 2026 in un look Prada ispirato a "Mäda Primavesi" di Gustav Klimt (Immagine credit: Getty Images/The Met)

      Colman Domingo al Met Gala 2026 in un look Valentino che ricorda Picasso (Immagine credit: Getty Images)

      Amy Sherald al Met Gala 2026 in un look Thom Browne che ricorda uno dei suoi dipinti, "Miss Everything (Unsuppressed Deliverance)." (Immagine credit: Getty Images) Altri hanno adottato un approccio più astratto. Il vestito rosso di Chanel di Nicole Kidman è apparso meno come riferimento e più come interpretazione, canalizzando il peso emotivo e storico del colore stesso.

      Nicole Kidman in Chanel al Met Gala 2026 (Immagine credit: Getty Images) C'era anche Sabrina Carpenter in Dior, che rende omaggio al film Sabrina con bobine di film reali che formano il corpetto e fotogrammi di film impostati come gioielli centrali del suo copricapo in stile flapper.

      Sabrina Carpenter in Dior al Met Gala 2026 (Immagine credit: Getty Images) In termini di case di moda di spicco, Saint Laurent, uno degli sponsor della serata, ha guardato all'interno, rivisitando la propria storia con l'arte ricreando il famoso calco dorato per Hailey Bieber, originariamente prodotto in collaborazione con Claude Lalanne per la collezione haute couture A/I 69/70.

      Hailey Bieber in Saint Laurent ispirato agli archivi al Met Gala 2026 (Immagine credit: Getty Images)

      Saint Laurent A/I 69/70 (Immagine credit: Getty Images) La cantante Rosé ha indossato un vestito nero minimalista punteggiato di uccelli nello stile di "Gli Uccelli" di Henri Matisse, un richiamo sottile ma significativo alla collezione S/S 88 della maison.

      Rosé in Saint Laurent ispirato agli archivi al Met Gala 2026 (Immagine credit: Getty Images)

      Saint Laurent S/S 88 (Immagine credit: Getty Images) Un'altra forte presenza è stata quella del designer emergente Robert Wun, che ha vestito Jordan Roth, Naomi Osaka e Beyoncé, quest'ultima indossando il designer all'interno del Met durante il programma della serata.

      Beyoncé indossando Robert Wun per il suo secondo look al Met Gala 2026 (Immagine credit: Getty Images)

      Naomi Osaka in Robert Wun al Met Gala 2026 (Immagine credit: Getty Images)

      Jordan Roth in Robert Wun al Met Gala 2026 (Immagine credit: Getty Images) Tuttavia, il punto di riferimento più pervasivo della serata potrebbe essere stato quello delle statue elleniche e romane che continuano a plasmare il nostro linguaggio visivo attorno al corpo. La loro influenza è apparsa ovunque, da Sombr in Valentino a Serena Williams in un abito drappeggiato argento pronto per la battaglia di Marc Jacobs e, più apertamente, Heidi Klum, che è arrivata come una statua letterale, con il volto grigio e tutto, sottolineando davvero il punto che la moda è arte.

      Heidi Klum al Met Gala 2026 in un look ispirato a "Vestal Velata" di Raffaele Monti (Immagine credit: Getty Images)

      Sombr